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Lo efímero como negación de la cualidad sagrada del arte
UMBICULUM Escritos de arte
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Autor:
Maria Forcada

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Los materiales
6/20/07

La obra es un repertorio de materiales, objetos, un catálogo de elementos, ligado a la presencia y heterogeneidad perceptiva de los materiales...

 

Los materiales. Lo efímero como negación de la cualidad sagrada del arte.

 

Tercera Entrega

 Extracto de  "Condiciones de producción en las artes plásticas contemporáneas en Mendoza en los 90"- Mgster. Forcada, María- Mendoza, Facultad de Artes y Diseño, UNC-2005

 

 

Otra característica de las producciones contemporáneas será la continuación de la crítica  que iniciara Duchamp, a la sacralidad de la obra, que está presente en la estética romántica de la genialidad y  que los dadaístas llevarían hasta sus mayores consecuencias como crítica del sistema de valoraciones en el arte. El neodadaismo de los setenta es una crítica extraordinaria a este sistema, y por extensión al sistema social y político a través de presentaciones efímeras.

Esta constante se mantendrá en vigencia a través de diferentes propuestas artísticas. En este sentido el ejemplo más radical es el de las propuestas que llevó adelante J. Beuys(1), quién a través de sus acciones proclama la relación arte- vida como respuesta a su cuestionamiento de las falencias que devienen de la instauración definitiva de las reglas del sistema artístico. En especial el mercado del arte y sus desenlaces a lo largo del siglo.

En las expresiones recientes, derivadas de estas propuestas de Beuys, el juego lúdico toma importancia como ideología ambiental, muchas de ellas toman las investigaciones de Freud, Piaget y su escuela, para subrayar la dimensión activa, la educación como proceso de autoformación.

La obra es un repertorio de materiales, objetos, un catálogo de elementos, ligado a la presencia y heterogeneidad perceptiva de los materiales y a su capacidad asociativa con otros aspectos de la memoria del sujeto que la recibe y al que interroga.

En el caso de que los materiales se sometan a transformaciones y modificaciones, se originan nuevos sentidos para cada presentación  física, dando lugar a distintas posibilidades de articulación de sentidos. De esta manera se produce un ataque a la noción racionalista del arte, ("la obra debe ser que resulta del producto acabado"), llevando hasta sus últimas consecuencias la estética del desperdicio.

"El uso de materiales efímeros y el compromiso por plantear instalaciones temporales hizo que fueran reconsiderados los factores de durabilidad inherente a la obra. En general el uso y empleo de nuevos materiales y el uso y empleo de nuevas tecnologías, con ánimo de reinventar la forma o el hecho de que la obra adoptara un valor nuevo y consustancial con la época, provocó la aceptación por parte de todos a reconsiderar una obra de arte nueva y propia".(2)

Géneros: Su puesta en crisis. Hibridación, ruptura de límites.

Una característica más de las nuevas propuestas, será la puesta en crisis de los géneros tradicionales, en tanto repeticiones de modelos o categorías más o menos estables, definidos por propiedades específicas. Ya desde el estructurismo, minimalismo y cinético se abandona el repertorio material de la tradición artística y sus formas como el  cuadro y la escultura.

Como la búsqueda se centrará en los medios de transmitir los posibles contenidos y  no en la exposición de los contenidos en sí, se acelera la caída de los modelos tradicionales provocando una intergeneridad más proclive a poner en evidencia el proceso de explicitación, con carácter dinámico, por sobre la contingencia de los formalismos más tradicionales técnico-materiales y las pertinencias de su uso.

La conciencia de que el orden del arte no es inmutable, ni único, es parte de la causa de esta necesidad de encontrar nuevas formas para contener nuevos modelos de presentación de las producciones. La ambigüedad estructural, aspecto que remarca los fundamentos más simples del arte entendido como proceso, requiere de nuevos formatos para su presentación.

A. Danto, en su crítica al arte validado desde la interpretación que ponen en juego las categorías tradicionales del arte, propone que no hubo muerte de la pintura, (para referirse a su desplazamiento a otros tipos de objetualidad), sino que esta se deslizó a otros géneros. La pintura perdió la exclusividad que tenía cuando se percibía a si misma como vehículo de avance histórico. En los años cincuenta se dio la controversia entre la imagen y la abstracción, ahora no hay reglas, la adaptación es clave para sobrevivir en el mundo del arte donde todo vale. (3)

El modelo como estructura conceptual compleja. Las producciones en serie

 

La obra que se tiende a desmitificar, se refugia en lo múltiple(4), y en las repeticiones definidas o indefinidas, transformándose en un modelo y no solo un resultado.

La atención  se centra nuevamente más en el efecto del medio con el que se trasmite la información que en la información misma. El contenido de muchas obras que trabajan a partir de la serialización de imágenes o formas es la correspondencia entre los elementos  y sus alteraciones.

Tiene influencia en estos modos de presentar las obras, la estética que surge a partir de A. Moles, quien insiste en que la información estética no tiene intencionalidad y es especifica de cada canal, esta teoría es deudora de la nueva mística de los medios presente en autores como McLuhan.(5)

Se buscan entonces o bien la mínima complejidad de elementos donde se instauran grados máximos de orden (arte estructuralista, nueva abstracción, minimal art) o bien un aumento de complejidad que implica un aumento de orden, hasta terminar en sistemas estructurales precisos estrictos. Óptico, cinético, lumínico y cibernético. (6)

Recordemos que J. Albers es el primero en recurrir a la repetición del cuadrado y de su variante cromática, transformándose en el pionero de estas experimentaciones.(7) En Kasel se le dio atención en 1968 así como en la Bienal de Venecia del mismo año.

Así mismo la obra en computador es la máxima expresión de estas propuestas donde la forma es la estructura de la obra, en ellas el sistema latente es difícilmente reconocible de un modo perceptivo pero fácilmente identificable por el programa estético y matemático empleado. Interesa el proceso más que la obra, o la constitución de la misma, siguiendo el desinterés por el objeto material que se indicaba en tendencias anteriores.

Omar Calíbrese(8) llama estética de la repetición, a este aspecto de muchas producciones que tiende a resaltar, aunque lo señala tanto en términos formales como temáticos, la repetición y serialización de elementos o imágenes.

La variación en el ritmo de los elementos o su repetición, en algunos casos a través de la multiplicación de los centros, acentúa el exceso de significados o exceso de elementos. Acentúa el exceso y acentúa por lo tanto la disgregación, destruyendo el carácter de armonía y secuencialidad.

 

La acción y el comportamiento

Respecto a las producciones que ponen el acento en las acciones humanas, además de manifestar sus relaciones con otras disciplinas artísticas como el teatro, intentan un acercamiento del arte a la cotidianeidad. Incluso el planteo supone el arte mismo como algo posible de que practique cualquier sujeto, sea artista o no. (El ejemplo de Beuys, sigue siendo válido para esta característica también, y es uno de los artistas más radicales que la llevan adelante).

Una de las expresiones más conocidas en los años sesenta, es el happening que combina lo plástico visual, el teatro y la música y tiene una estructura abierta. Sin estructuración de fin a principio, la forma emerge de lo que permite el material y su medio. Cualquier material es posible de utilizarse. Lo que se plantea es un collage de sucesos que en ciertos tramos es temporal y en otros, espacial.

Estas propuestas se desarrollan fuera del marco institucional del arte mismo. En un tiempo, que intenta modificar nuestra percepción, nuestro comportamiento, nuestra identidad, a manera de gran estímulo que provoca intensificación de nuestra capacidad consciente de la experiencia. De nuestra atención. Algo inesperado en un mundo dirigido por expectativas calculadas. Puede ser formalista, político o ritual. No se diferencia actor de público, éste, el público, es parte del evento.

En Estados Unidos trabajan a partir de la puesta en escena de la sociedad de consumo y el pop, a diferencia de Europa, cuyos artistas en algunos casos, les interesa reconstruir hechos de la historia significativos. Su búsqueda es de marcado carácter individual moral. En otros casos trabajan a partir del rito y mito, como eje de reacción, de posible discurso opuesto a la civilización tecnocrática. (9)

Modalidad de arte acción paralela al happenings, renovación del teatro, artes visuales y música, es el grupo fluxus americano en 1963, que plantea la vivencia de un acontecimiento de modo improvisado con acciones simples. La diferencia del anterior es que  el espectador se distancia del acontecimiento, no toma parte en él. En Estados Unidos toma un tinte de crítica política buscando crear objetos sociales y no estéticos, y proclamándose a favor de las artes populares como el circo. Culminó en una negación de la actividad artística.

Estas acciones devendrán en las siguientes décadas en el arte relacional que intenta en sus diferentes propuestas renovar los pactos entre arte y realidad. Se intentan promover situaciones donde el espectador tenga que realizar su propia valoración de lo que acontece a su alrededor, interesándose más por aspectos ligados al desarrollo de encuentros en la diferencia donde el fundamentalismo de las identidades se diluya.

Si bien, éstas propuestas tienen sus objeciones (necesitan del sistema del arte para promocionarse) se disparan desde una actitud que asume como principal compromiso la mirada sobre el propio tiempo, el retrato de lo testimonial y de aquello que sucede en el presente. (10)

 

 El arte como  auto - representación individual.

También, M. Fiz, menciona una actitud en algunos artistas, de apartarse de todo "mito colectivo", proponiendo desde cada sujeto su propio enunciado, arrogándose el derecho o libertad para proclamar sus definiciones y valoraciones del contenido del arte, sin "someterse a convencionalismos artísticos y sociales"(11).

El autor sostiene que el individuo se fabrica su propia noción y objeto de arte. En estos aportes, cargados de implicaciones, los símbolos son individuales y no pretenden transformarse en colectivos, se vinculan con las experiencias del propio ego,  del narcisismo, son una reacción a las diversas connotaciones simbólicas y colectivas de la década del sesenta, rechazan las mitologías del pop, el hiperrealismo o las tecnológicas, símbolo de la disolución del individuo (Beuys, Arnoldo).

Éstas prácticas interrogan al espectador sobre sus propias inquietudes, tienden a ponerlo en evidencia. En el mirar la singularidad del otro aparecería como más fuerte, el interrogante por la propia especificidad singular. Éstas propuestas son intentos de  producción de "fetiches" personales.

Ya a fines de los ochenta se traslada la inquietud a la realización de las grandes exposiciones y se plantea la posibilidad de que en éstas, las categorías y criterios de selección de los expositores se deban a criterios de momento que encuentran eco en el público a quien se dirige, concentrándose en la diferencia que permite al sujeto ser el mismo, desarraigando todo criterio y pretensión de universalidad. Un ejemplo de esta búsqueda se intentó plantear en la exposición "Los Magos de la Tierra", no sin encontrar algunos reparos en su organización en especial en el orden de lo metodológico.(12)

Desde otra perspectiva, artistas como J. Koons o H. Steimbach, realizan en sus producciones una lectura del objeto como mercancía y como fetiche cultural. El objeto es mirado en tanto signo que representa un código en el cual la sociedad actual se desenvuelve. Ellos sugieren que el valor de uso, el status de sus objetos, es el valor de intercambio, realizando una operación que va más allá del señalamiento que intentó producir el ready-made relativo a los objetos mercancía versus objetos de arte. De ese primer señalamiento, se pasa a la indiferenciación entre obra de arte y mercancía, siendo éste el nuevo giro que toman algunos de éstos procedimientos.

La preeminencia del carácter conceptual en las producciones actuales merece una especial atención. Muchas obras parten de un fuerte dimensionamiento del aspecto conceptual que determina el carácter de las mismas. Esto implica poner el acento en la teoría como operación mental fundante de las producciones, marcando una diferencia entre las apariencias del objeto u obra versus la idea o concepto que la sustenta.

La función del arte es el principal cuestionamiento y lo que da origen a las producciones no los aspectos morfológicos que serán considerados en segunda instancia. El concepto adquiere un sentido operativo, primordial que se traducirá en ideas o proyectos que ponen en funcionamiento el aparato de producción dentro del arte. Esta atención a la idea en desmedro de la atención al objeto tradicional y objetual es la referencia explícita del título del texto de S. Marchan Fiz y su tesis acerca del las circunstancias que llevan a la reflexión sobre la naturaleza del arte actual. (13)

 

Notas:

 

(1)-Dentro de las prácticas del artista, podemos distinguir dos vertientes, las recolecciones  (por ejemplo las recolecciones de residuos y su puesta en exposición) y las acciones (como la de Kasel de 1972, Documenta 5, donde se presenta durante cien días y discute con los visitantes diferentes temas, transformándose en centro de información humana). Ambas tienen que ver con la relación en el tiempo, en tanto son acciones que desde distintos supuestos, cuestionan el estatuto de la obra de arte. Ver Bodenmann-Ritter, Clara. Joseph Beuys. Cada hombre, un artista. Conversaciones en Documenta 5-1972. Madrid, Visor, 1995.

(2)- Lozano Salmerón, Asunción. La luz en el espacio del arte del siglo XX. De la era mecánica a la era electrónica. Pág.  102

(3)- Danto, Arthur. Después del fin del arte. El arte contemporáneo y el linde de la historia. Madrid, Paidos, 1999. Pág. 115-129

(4)- El termino múltiple, seria en primer lugar "una alternativa tecnológica, respecto a los medios tradicionales e implica el empleo de técnicas industriales como medio de creación", la producción  en serie, y la extensión a capas sociales para los que hasta ahora era inaccesible son algunas de sus pretensiones aunque están en duda sus logros. Ver Marchan Fiz, Simón. Del arte objetual al arte de concepto. Epílogo sobre la sensibilidad posmoderna. Pág. 141-144

(5)-..."los mensajes de nuestra época no serían los contenidos sino los medios; no lo que éstos medios transmiten, sino ellos mismos como canales mágicos. Los medios son concebidos como algo indiferente, "natural". Atribuyen al medio una calidad esencial, propia, que desemboca en ontologizaciones ahistóricas. Este entusiasmo indiscriminado y acrítico por los medios explica a nivel práctico el interés por los efectos, por el informativismo,  y su desinterés por otras consideraciones semánticas y significativas." Ibíd., pág.145.

 Sin embargo son dudosos los aportes en países menos desarrollados en cuanto al uso de las nuevas tecnologías, el autor al respecto sostiene: "La promiscuidad de los géneros, la ruptura de fronteras, sintonizan con un momento de la evolución de las capacidades perceptivas de nuestros sentidos... empiezan a coexistir como en la teoría de los nuevos medios percepciones de diversos sentidos... Los nuevos medios productivos han incidido sobre las artes y han alterado las relaciones perceptivas del espacio privado tradicional a favor del espacio público... El recurso de las técnicas artísticas a los medios productivos de estas sociedades desarrolladas manifiesta la dependencia de las técnicas y de la estructura artística respecto de la totalidad social... las artes tecnológicas son superestructuras artísticas de las sociedades mas desarrolladas tecnológicamente bajo las actuales relaciones de producción de capitalismo tardío." Op. cit., pág. 147-148

(6)- El óptico discurre paralelo a la nueva abstracción americana, su apogeo fue en 1965-1968 y se extendió por todos los países del área occidental. Plantea el estudio de estructuras de repetición y sistemas de supersignos: pertenece a las modalidades de la abstracción geométrica. En las obras europeas es frecuente el poco cromatismo, reflejan en general un orden estructural en el sentido estricto, la complejidad aumenta pero hay un incremento proporcional del orden dentro del sistema, son frecuentes los microelementos, como repetición de cuadrados, líneas, cubos. Es sistemático el empleo de sistemas de propiedades geométrico matemáticas, a manera de supersigno donde el espacio es polifocal: desaparecen los puntos de gravedad. Las obras tienen un carácter analítico científico y los tres principales sistemas de supersignos utilizados son la combinatoria, la sumatoria y la estadística, lo que da lugar a interrupciones, transformaciones.

(7) La abstracción dará su aporte desde la reflexión sobre la sintaxis en desmedro de las asociaciones contenidistas posibles, así el Neoconcretismo y la nueva abstracción: se interesan por cada partícula cromática, conciben el cuadro como continuom de color puro. Se mueven en un estricto virtuosismo y esteticismo, pero instauran ciertos modelos de orden a nivel sintáctico que mantiene el equilibrio entre complejidad y orden. Estos artistas negaban las premisas del informalismo remitiendo sus obras a niveles elementales de codificación.(Rothko, Newman, Still), de allí que se  instaura cierto orden en el caos. Ibíd., pág. 227

(8)- Calabrese, Omar. La era neobarroca. Madrid, Cátedra, 1994. Pág. 45; en este sentido el autor plantea la estética actual como neo-barroca.

(9)-(destaca el accionismo vienes con sus temas de liberación sexual y de todo tipo, J. Beuys, entre otros). Buscan un efecto directo y provocativo desde la energía del happenings, desestatización y carga artística antropológicas, etc. Cultivan el antiarte. Ver Marchan Fiz, Simón. Del arte objetual al arte de concepto. Epílogo sobre la sensibilidad posmoderna. Pág.193 y sgtes.

(10)-"la producción cultural contemporánea está comprometida con lo real de una forma nada homogénea...hay que distinguir al menos tres maneras distintas: documentar lo real, intentar reparar, modificar o intervenir sobre algún aspecto de lo real ya dado y, finalmente, lanzarse a lo que llamaríamos producción de la experiencia real. Claro que es en esta ultima versión de "realismo" donde ha de reconocerse lo que se viene llamando estética relacional" Marrone Gustavo. Entrevista a Martí Peran. En Ramona, Revista de Artes Visuales, N° 34. Buenos Aires, Fundación Star, Septiembre de 2003.Pág. 14

(11)- Marchan Fiz, Simón. Op cit., pág. 223

(12)-"En su afán de no imponer categorías y de crear una apertura, Magiciens de la Terre, define lo indefinido a la variedad contradictoria, y propone un acercamiento en torno a la contradicción,  la pluralidad y a la falta de esencia, en torno a una idea del yo que ha de ser relativa, cambiante, con múltiples facetas; que ha de estar, en otras palabras, alrededor de una no-idea del yo, o una idea del no-yo. La dificultad de este proyecto es proporcional a su importancia." Thomas Mc Evilloy. Abrir la Trampa. La exposición posmoderna y Magos de la Tierra. En Guasch, Anna María. Los Manifiestos del Arte Posmoderno. Textos de exposiciones 1980-1995. Madrid, Akal, 2000. Pág. 357-366

(13)- S. Marchand Fiz Op cit., señala la puesta de atención en los aspectos procesuales, en las dinámicas de transformación y cambio a través del uso del objeto, y no la materialidad en sí misma, en su permanencia, este es uno de los aspectos conceptuales que atraviesa el arte en todo este siglo. El arte contemporáneo es un arte de reflexión sobre sus propios datos. Tiene su origen en las tendencias constructivistas que abandonan el objeto y se centran en la constitución estructural del mismo (Mondrian, Nueva Abstracción, Óptico; cada una desde su propia perspectiva). Duchamp inaugura la desmaterializacion. En un segundo momento I. Kleim, P. Manzoni por ejemplo, instauran el lenguaje proposicional del arte, proponiendo análisis de signos lingüísticos establecidos como arte. Los minimalistas también desmitifican el objeto a favor del concepto y J. Kosuth, se transforma en la figura mas definida del conceptualismo lingüístico. Éste define  el concepto como acto de la mente que se aleja de la inmediatez de las impresiones sensibles y las representaciones particulares. También define una segunda acepción de conceptualismo como proyecto o diseño preconcebido.

 

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